Piazza Fratelli Cairoli, 1, 06049 Spoleto PG, Italy

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Filippo Marignoli, a differenza dei colleghi stanziali, aveva spirito avventuroso.

E difatti, il giovane Marignoli guardò con vivace interesse a quanto era appena successo a New York, dove si trasferì nel 1959 e dove l’Action painting e l’Abstract expressionism erano nel momento del loro maggiore fulgore. Più tardi, nel secondo soggiorno romano, si ricorderà dapprima della lezione di Rothko e subito dopo, nel sua penultima fase di lavoro, del pre-minimalismo di Noland.

La sua stagione informale fu intensa ma non duratura. Conservò le caratteristiche di quel genere di astrattismo, dalla violenza espressiva dei segni alla forza gestuale, al polimaterismo (persino compaiono in un gruppo di tele le garze incollate per rendere più tramate le velature: esse anticipano di un bel po’ d’anni la tecnica adoperata da Franco Angeli).

E infine, c’è in questa pittura un in psicanalitico che vistosamente fora la superficie dell’opera. Se ne accorse già Maurizio Calvesi nel 1959, alla mostra del gruppo [N.d.R.: il Gruppo di Spoleto] nella gloriosa galleria l’Attico di piazza di Spagna a Roma, allorché scrisse di “spazi bui e sommossi” che l’artista si portava dentro “come grandi paure” e di un “sedimento surreale […] di impulsi irrealizzati”.

Ma c’è anche, nel lavoro di Filippo Marignoli, una sorprendente fase conclusiva. Essa non rinnega le esperienze precedenti, come era del resto già accaduto nel trascorrere dall’uno all’altro motivo. La formula, pero’, con un linguaggio novo e diverso, reso contestuale al momento in cui le opere vedevano la luce ( la fine degli anni settanta a Parigi, nella galleria Denise René). Il furore espressionista vi si è acquietato. L’immagine si stempera in un lago di colore unito e compatto. Talora esso è ricoperto da una sottile trama grafica, minuta e insistita come in un gioco optical. Spesso lo spazio viene squarciato da un’esile lama di luce verticale, misteriosa quanto spietata. Filippo Marignoli, passando dalle ricerche sulla luce nel colore della precedente fase, da quel tipo di luce che in Rohtko proviene da dentro il colore e non viceversa, a queste ultime composizioni sobrie e rigorose, percorse da luci fredde, controllate dal rigore dello spazio e della forma, sembra volerci trasmettere che la sua dedizione alla pittura fu fino alla fine assoluta.

Vertigo is the pictorial action that transforms space into an abyss; forcing the gaze to contend with absolute verticality. The gaze drowns, because the work , like every painting, remains motionless. In this final works, spanning over fifteen years, Filippo Marignoli succeeded in what every “modern” artist longs to achieve: the invention of something never seen before. And like every artist worthy of the name he did it without planning; using his “Informel” novitiate experiences with Sargentini, the influences of his American years, and the analytical sharpness than ran through the exhibitions at his Parisian gallery (Denise René). Filippo Marignoli moved, travelled and constructed rather compact islands of expression. This Roman exhibition at the Museo Carlo Bilotti is shaped around four of these islands: the years between Rome and Spoleto, experimenting with matter and gesture painting; New York and Honolulu, where he encountered new American art; his return to Rome and the exploration of a secluded and lyrical landscape; and finally Paris, where he created his “Vertical Landscapes”, which in some cases become no less unfathomable “Horizontal”. Nobody will miss the fundamental links connecting all of these islands like recurring baggage: especially the landscape, not as form, but like an unyielding knot around which every expression unfolds; and his enlargements, almost restoring the monumentality of Italian painting, harmonizing with the expansive surfaces of American art and providing an “abyss” even in his “Vertical Landscapes” of smaller format.

Vertigo is no less related to love than it is to art: it’s the gaze and the body sinking into the gaze of the loved one. It is not by chance that Hitchcock’s celebrated film, which played a part in naming this exhibition, was entitled “The woman who lived twice” in its Italian version.

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Filippo Marignoli, a differenza dei colleghi stanziali, aveva spirito avventuroso.

E difatti, il giovane Marignoli guardò con vivace interesse a quanto era appena successo a New York, dove si trasferì nel 1959 e dove l’Action painting e l’Abstract expressionism erano nel momento del loro maggiore fulgore. Più tardi, nel secondo soggiorno romano, si ricorderà dapprima della lezione di Rothko e subito dopo, nel sua penultima fase di lavoro, del pre-minimalismo di Noland.

La sua stagione informale fu intensa ma non duratura. Conservò le caratteristiche di quel genere di astrattismo, dalla violenza espressiva dei segni alla forza gestuale, al polimaterismo (persino compaiono in un gruppo di tele le garze incollate per rendere più tramate le velature: esse anticipano di un bel po’ d’anni la tecnica adoperata da Franco Angeli).

E infine, c’è in questa pittura un in psicanalitico che vistosamente fora la superficie dell’opera. Se ne accorse già Maurizio Calvesi nel 1959, alla mostra del gruppo [N.d.R.: il Gruppo di Spoleto] nella gloriosa galleria l’Attico di piazza di Spagna a Roma, allorché scrisse di “spazi bui e sommossi” che l’artista si portava dentro “come grandi paure” e di un “sedimento surreale […] di impulsi irrealizzati”.

Ma c’è anche, nel lavoro di Filippo Marignoli, una sorprendente fase conclusiva. Essa non rinnega le esperienze precedenti, come era del resto già accaduto nel trascorrere dall’uno all’altro motivo. La formula, pero’, con un linguaggio novo e diverso, reso contestuale al momento in cui le opere vedevano la luce ( la fine degli anni settanta a Parigi, nella galleria Denise René). Il furore espressionista vi si è acquietato. L’immagine si stempera in un lago di colore unito e compatto. Talora esso è ricoperto da una sottile trama grafica, minuta e insistita come in un gioco optical. Spesso lo spazio viene squarciato da un’esile lama di luce verticale, misteriosa quanto spietata. Filippo Marignoli, passando dalle ricerche sulla luce nel colore della precedente fase, da quel tipo di luce che in Rohtko proviene da dentro il colore e non viceversa, a queste ultime composizioni sobrie e rigorose, percorse da luci fredde, controllate dal rigore dello spazio e della forma, sembra volerci trasmettere che la sua dedizione alla pittura fu fino alla fine assoluta.

Vertigo is the pictorial action that transforms space into an abyss; forcing the gaze to contend with absolute verticality. The gaze drowns, because the work , like every painting, remains motionless. In this final works, spanning over fifteen years, Filippo Marignoli succeeded in what every “modern” artist longs to achieve: the invention of something never seen before. And like every artist worthy of the name he did it without planning; using his “Informel” novitiate experiences with Sargentini, the influences of his American years, and the analytical sharpness than ran through the exhibitions at his Parisian gallery (Denise René). Filippo Marignoli moved, travelled and constructed rather compact islands of expression. This Roman exhibition at the Museo Carlo Bilotti is shaped around four of these islands: the years between Rome and Spoleto, experimenting with matter and gesture painting; New York and Honolulu, where he encountered new American art; his return to Rome and the exploration of a secluded and lyrical landscape; and finally Paris, where he created his “Vertical Landscapes”, which in some cases become no less unfathomable “Horizontal”. Nobody will miss the fundamental links connecting all of these islands like recurring baggage: especially the landscape, not as form, but like an unyielding knot around which every expression unfolds; and his enlargements, almost restoring the monumentality of Italian painting, harmonizing with the expansive surfaces of American art and providing an “abyss” even in his “Vertical Landscapes” of smaller format.

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